¿Cuál es la mejor manera de iluminar un escenario?

La iluminación de un escenario requiere la presentación de conceptos funcionales y estéticos que se utilicen para determinar la mejor manera de crear el cambio requerido en los intérpretes y el entorno. La mejor manera de iluminar un escenario depende del tipo de producción (teatro, concierto, danza, etc.), pero a continuación se presentan algunos principios y consejos fundamentales parailuminación del escenario:

1. Piensa en el uso del área iluminada

Mejorar la visibilidadAsegúrese de que los artistas sean fácilmente identificables y de que se vean los principales componentes de la actuación. Este es el objetivo principal de la iluminación escénica.

Establecer el estado de ánimo/atmósfera:La iluminación puede ayudar a mejorar el tipo de estado de ánimo que implica la pieza (feliz y brillante al final de una canción, cinematográfico y oscuro durante la escena de cámara rápida).

Resaltar áreas clave:Utilice las técnicas de rieles, que consisten en iluminar áreas específicas en el escenario y dirigir haces de luz hacia actores, instrumentos o accesorios.

Transiciones de soporte:Utilice la iluminación para indicar cambios en las escenas, el tono o el momento de la avería (entre la luz del día y la tarde/noche).

2. Tipos de iluminación escénica

Luz clave:Esta es la iluminación principal de un sujeto o artista. Y debe ser la más brillante, para iluminar el rostro y el cuerpo, si es necesario.

Luz de relleno:Esto ayuda a atenuar partes de la escena que tienen un fuerte reflejo de la fuente de luz principal, lo que, si no se vuelve a iluminar, hace que el área sombreada de la piel quede muy oscura.

Luz de fondo (luz del cabello):Se coloca detrás del sujeto para dejar cierta distancia entre él y el fondo y revelar el borde del sujeto.

Iluminación lateral:Se utilizaba para crear siluetas dramáticas extremadamente visibles o para acentuar los contornos y la superficie de un artista o un escenario.

Candilejas:La luz frontal desde el suelo hacia arriba, utilizada para lograr un efecto suave y difuso en los rostros de los artistas, se puede utilizar para un propósito dramático particular.

Focos:Rayos fuertes aplicados para enfatizar objetos o personas en el escenario o cualquier otra parte en movimiento.

Iluminación de lavado:Incluso la luz de fondo, que desarrolla una manta de color o luz sobre toda el área del escenario.

3. Equipo de iluminación

Proyectores reflectores elipsoidales (ERS):Son luces flexibles con un control estricto del haz, ideales para haces mecanizados, patrones y focos.

Luces de Fresnel:Debido a la luz de borde suave, son buenas luces de lavado o luces clave suaves.

Latas PAR:Son luces versátiles y de alta intensidad que brindarán un enfoque ajustado y una inundación amplia.

Luces LED:Son flexibles, pueden ser productos de ahorro de energía y pueden ser de colores cambiantes. Son excelentes para crear efectos de impulso y coloridos o incluso para crear ambientes.

Geles y gobos:Hay gases de colores que alteran los colores de la luz; hay gobos que pueden proyectar determinados mensajes o imágenes caricaturizadas al escenario.

Luces móviles:Luces móviles que también pueden ser de diferentes colores y tienen la capacidad de enfocar como parte de un performance.

4. Superposición de la luz

Combine una iluminación de tres puntos (clave, relleno y fondo) como base y luego agregue capas adicionales, como:

También incorporan iluminación lateral para crear cierta profundidad visual y textura en la fachada.

Iluminación auxiliarpara configurar el tipo de luz que se necesita en el escenario.

Geles de colores temáticos o con efectos especiales.o focos de luz durante cambios dramáticos en escenas o escenas llenas de acción, como cuando se produce una transición de escena.

5. Uso del color

Temperatura de color:Para obtener contraste o algún tipo de control de la iluminación, equilibre la luz cálida (naranja/amarillo) y la luz fría (azul/blanco).

Filtros/geles de color:Consigue geles para dar color a las luces en relación con la sensación de la actuación. El rojo puede provocar estrés, el azul puede provocar o dar sensación de tristeza, etc.

6. Posicionamiento y ángulos

Frente al escenario:La fuente principal de iluminación debe provenir de la fuente de luz frontal, mientras que la segunda fuente de luz no debe provenir de la luz cenital, ya que proyecta sombras muy oscuras en los rostros de los artistas.

Arriba y abajo:La iluminación cenital o en cuadrícula es la más común para efectos simples, mientras que la iluminación desde abajo o desde el piso es común para ciertos efectos o iluminación surrealista.

7.Control y automatización de la iluminación

Atenuación:Instale reguladores de intensidad porque le permiten ajustar los niveles de brillo en la habitación y luego apagar la luz gradualmente.

Consola de iluminación/DMX:Un panel de control para secuenciar y controlar luces. Algunos de los sistemas DMX permiten atenuar o apagar las lámparas o crear patrones de iluminación coordinados.

Señales de iluminación coreografiadas:Organizar activadores que alteren la iluminación del entorno de vez en cuando para mejorar la ocurrencia de la actuación.

8. Tiempos y transiciones

Transiciones suaves:El cambio de luces debe ser gradual y sincronizado, o bien debe realizarse durante la acción en cuestión. Los cambios repentinos de iluminación suelen ser percibidos por el público, a menos que ese sea el propósito previsto.

Transiciones:Utilice la función de atenuación o cambie de una luz a otra en los cambios de escena o cuando los personajes estén cambiando de vestuario.

9. Ensayar con los intérpretes

Prueba de iluminación en los ensayos:Siempre es recomendable actuar con las luces particulares para evitar que los intérpretes brillen demasiado o no logren lo que se les pide.

Adaptarse al rendimiento:Cambia las luces dependiendo de la sensación de energía exacta en el escenario.—Las posiciones bloqueadas pueden alterar la luz sobre los artistas.

10. Cuestiones de seguridad y energía

Otros:se asegura de que haya un buen cableado y de que se hayan tomado las medidas de seguridad adecuadas.

La luz incandescente no debe utilizarse durante mucho tiempo, de lo contrario se acumulará calor y se podrán utilizar ventiladores y ventilación.

Asegúrese de que haya una copia de seguridad de los equipos importantes en lo que respecta a los sistemas de atenuación y control de iluminación.

En definitiva, la única manera de iluminar un escenario es tener en cuenta el aspecto técnico (tipos de luces, posiciones, sistema de control) junto con el artístico (ambiente, color, transiciones y todos los demás factores) que no hagan que los intérpretes se sientan incómodos y que el público no pueda verlos. El público debería casi notar el uso de la iluminación, ya que debería complementar la acción en el escenario con gran efecto sin abrumar el espectáculo.